El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
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El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
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El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
El Fran se la come.
Ya sé que no es nada nuevo esto, pero tenía ganas de unirme al movimiento x)
El Fran ve hentai de Mazinger Z.
XD
lunes, 25 de mayo de 2009
jueves, 7 de mayo de 2009
SMILE
Llevábamos un mes sin encontrar otro cadáver, nos enfocamos en buscar pistas... las cuales también destacaban por su ausencia.
Lo único que tenían en común aquellos sujetos era la palabra en sus manos. El asesino nos pedía respirar. No... nos ordenaba respirar. Cada vez que recordaba la imagen de los sujetos, me estremecía. ¿Cómo es que alguien con tanto futuro terminaba de una manera tan fugaz, tan repentinamente?
La noche en la que se cumplían dos meses del primer asesinato, me llamaron a las 3 AM. Fue el celular más molesto que había oído hasta el momento. Contesté. Otro cadáver. Igual pero diferente.
Igual pero diferente. ¿Igual pero diferente? ¿A qué carajo se refería? Ese pensamiento me rondó por la cabeza mientras llegaba al estacionamiento de un restaurante bastante conocido en la ciudad. Recuerdo en especial al pollo a la cordon blue, buenísimo.
Ahí se encontraba la editora en jefe de aquella revista de modas que no lograba recordar. Fotógrafa y editora en jefe de su propa revista. Iba en camino a la gloria.
"¿Sabe, detective? Su revista estaba a punto de ser lanzada internacionalmente. Lo dijeron en uno de esos programas de espectáculos hace una semana." Me dijo uno de los forenses.
"No veo esas cosas." Respondí con sinceridad, para mí son una pérdida de tiempo.
"Ni yo, pero llegó una de mis hijas rogando ser modelo para que pudiera salir en esa revista".
Exitosa. Igual que los demás. Miré su muñeca izquierda y ahí fue cuando entendí el "igual pero diferente". En su muñeca se leía SMILE. Miré después el rostro de aquella mujer tan exitosa tuviera un rostro tan feliz.
Me es fascinante.
Procedí a escribir todo el papeleo, eran ya las 5 AM y yo quería, o más bien, necesitaba un café. Escribí en mi diario todas mis observaciones, justo dos hojas después de donde estaba escrito la primera serie de asesinatos con la palabra BREATHE.
Es curioso como BREATHE y SMILE no tienen casi ninguna relación, aunque si me pongo a pensar, esas dos palabras nos dan la paz que las personas que muchas veces no encuentran. Tan sencillo como respirar y sonreír.
Fascinante.
Lo único que tenían en común aquellos sujetos era la palabra en sus manos. El asesino nos pedía respirar. No... nos ordenaba respirar. Cada vez que recordaba la imagen de los sujetos, me estremecía. ¿Cómo es que alguien con tanto futuro terminaba de una manera tan fugaz, tan repentinamente?
La noche en la que se cumplían dos meses del primer asesinato, me llamaron a las 3 AM. Fue el celular más molesto que había oído hasta el momento. Contesté. Otro cadáver. Igual pero diferente.
Igual pero diferente. ¿Igual pero diferente? ¿A qué carajo se refería? Ese pensamiento me rondó por la cabeza mientras llegaba al estacionamiento de un restaurante bastante conocido en la ciudad. Recuerdo en especial al pollo a la cordon blue, buenísimo.
Ahí se encontraba la editora en jefe de aquella revista de modas que no lograba recordar. Fotógrafa y editora en jefe de su propa revista. Iba en camino a la gloria.
"¿Sabe, detective? Su revista estaba a punto de ser lanzada internacionalmente. Lo dijeron en uno de esos programas de espectáculos hace una semana." Me dijo uno de los forenses.
"No veo esas cosas." Respondí con sinceridad, para mí son una pérdida de tiempo.
"Ni yo, pero llegó una de mis hijas rogando ser modelo para que pudiera salir en esa revista".
Exitosa. Igual que los demás. Miré su muñeca izquierda y ahí fue cuando entendí el "igual pero diferente". En su muñeca se leía SMILE. Miré después el rostro de aquella mujer tan exitosa tuviera un rostro tan feliz.
Me es fascinante.
Procedí a escribir todo el papeleo, eran ya las 5 AM y yo quería, o más bien, necesitaba un café. Escribí en mi diario todas mis observaciones, justo dos hojas después de donde estaba escrito la primera serie de asesinatos con la palabra BREATHE.
Es curioso como BREATHE y SMILE no tienen casi ninguna relación, aunque si me pongo a pensar, esas dos palabras nos dan la paz que las personas que muchas veces no encuentran. Tan sencillo como respirar y sonreír.
Fascinante.
miércoles, 3 de diciembre de 2008
Fotografía...7
En el curso...
-Aprendimos a polear con la gente que es mala.
-Decir "obviamente" es de mensos. (dicen...)
-Nos amarraron como puercos por el blog.
-Adonjhur es Carlos Jurado. (Muy inteligente)
-El pictorialismo es una forma de ser original, pintar las fotografías de modo que sean únicas.
-No cualquier fotografía es arte... o documental... o bien hecha. Sin embargo, puede haber fotografía artística-documental.
-Aprender a usar una cámara es como aprender a manejar un carro. Primero se aprende a usar lo más básico para poder usar lo automático bien. La cámara reflex viene siendo el carro de cambios y pues... la cámara automática es un carro... automático.
-Kitsch = Lo "naco" (esa palabra todavía no tiene significado para mí, no sé ustedes). Es tan exagerado, pero tan exagerado, pero tan exagerado... Güicho Domínguez es un buen ejemplo.
-La luz. Manejarla es todo un proceso. ¿Natural o artificial? ¿Cuál es su fuente? ¿Cuál es su posición? ¿Cenir, nadir, rasante, inferior, rim? ¿Cuál es su temperatura?
-Pablo Neruda tenía a Mario Ruoppolo, éste tenía la grabadora de Neruda...
-No oigamos cualquier canción sólo porque diga "¡arríscate pa'cá, arríscate pa'cá!"
-La fotografía documental no es tan difícil, lo difícil es enfrentarse a la situación de lo que sucede en la fotografía. (el del premio Pulitzer no pudo manejarla).
-No es porno, es arte-no-morboso.
-¿Por qué no Patrick Demarchelier?
-No es necrofilia, es Joel-Peter Witkin.
-Se hace lo posible por hacer la tarea, hasta chantajear al guardia de Sociedad de Artesanos de Hidalgo para ver una exposición de fotos. Ejem, ejem... carmenjulia-christian. Ejem, ejem...
-Una caja mágica para capturar espíritus requiere de un unicornio.
-"Temporada De Patos" tiene una fotografía interesante...
-Tomar la fotografía de la luna llena no se oye difícil, pero ejecutarlo es difícil.
-Una foto en color cambia cuando es en blanco y negro... y viceversa.
-Una exposición de FotoSeptiembre también puede ser en el Mercado Municipal.
-¿Por qué no un fotomontaje bien hecho?
-No hace falta demasiada actuación en una foto...
-Tampoco la foto típica.
-Para todo hay manera.
-CHINGÓN.
-Aprendimos a polear con la gente que es mala.
-Decir "obviamente" es de mensos. (dicen...)
-Nos amarraron como puercos por el blog.
-Adonjhur es Carlos Jurado. (Muy inteligente)
-El pictorialismo es una forma de ser original, pintar las fotografías de modo que sean únicas.
-No cualquier fotografía es arte... o documental... o bien hecha. Sin embargo, puede haber fotografía artística-documental.
-Aprender a usar una cámara es como aprender a manejar un carro. Primero se aprende a usar lo más básico para poder usar lo automático bien. La cámara reflex viene siendo el carro de cambios y pues... la cámara automática es un carro... automático.
-Kitsch = Lo "naco" (esa palabra todavía no tiene significado para mí, no sé ustedes). Es tan exagerado, pero tan exagerado, pero tan exagerado... Güicho Domínguez es un buen ejemplo.
-La luz. Manejarla es todo un proceso. ¿Natural o artificial? ¿Cuál es su fuente? ¿Cuál es su posición? ¿Cenir, nadir, rasante, inferior, rim? ¿Cuál es su temperatura?
-Pablo Neruda tenía a Mario Ruoppolo, éste tenía la grabadora de Neruda...
-No oigamos cualquier canción sólo porque diga "¡arríscate pa'cá, arríscate pa'cá!"
-La fotografía documental no es tan difícil, lo difícil es enfrentarse a la situación de lo que sucede en la fotografía. (el del premio Pulitzer no pudo manejarla).
-No es porno, es arte-no-morboso.
-¿Por qué no Patrick Demarchelier?
-No es necrofilia, es Joel-Peter Witkin.
-Se hace lo posible por hacer la tarea, hasta chantajear al guardia de Sociedad de Artesanos de Hidalgo para ver una exposición de fotos. Ejem, ejem... carmenjulia-christian. Ejem, ejem...
-Una caja mágica para capturar espíritus requiere de un unicornio.
-"Temporada De Patos" tiene una fotografía interesante...
-Tomar la fotografía de la luna llena no se oye difícil, pero ejecutarlo es difícil.
-Una foto en color cambia cuando es en blanco y negro... y viceversa.
-Una exposición de FotoSeptiembre también puede ser en el Mercado Municipal.
-¿Por qué no un fotomontaje bien hecho?
-No hace falta demasiada actuación en una foto...
-Tampoco la foto típica.
-Para todo hay manera.
-CHINGÓN.
martes, 2 de diciembre de 2008
Fotografía...6
Julia Margaret Cameron:
-1815-1879
-Fotografías de ámbito religioso
-Técnica: pictorialismo.
-Comenzó a los 48 años.
-Principales obras: Kiss of piece, Idills of the King, Cupido descansando, Natividad, The Gardens daughter.
Andres Serrano (Nueva York, 15 de agosto de 1950) es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.
Moles Abraham (“kitsch”)
Teoría de la Información en la percepción estética. Considera Moles una estética exacta basada en los aspectos matemáticos de la teoría de la información y de la cibernética. Se entiende aquí que la concepción del mundo exterior depende del conocimiento de nuestros procesos perceptivos. Trabaja este autor en los mensajes visuales y auditivos. La información estética que estudia está sujeta al orden de la probabilidad de su codificación.
André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896 - París, 28 de septiembre de 1966), fue un escritor francés, conocido como el principal impulsor del movimiento surrealista.
De origen modesto, comenzó a estudiar medicina por presiones familiares. Movilizado en Nantes, durante la Primera Guerra Mundial, en 1916, conoció a Jacques Vaché, que ejerció sobre él una gran influencia, a pesar de haber escrito únicamente cartas de guerra. Entra en contacto con el mundo del arte a través del grupo dadaísta en 1916. Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo que influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.
Robert Capa (Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913 -Thai Binh Vietnam, 25 de mayo de 1954). Posiblemente, el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. Su verdadero nombre era Ernö o Ernest Andrei Friedmann.
Nadar, fue el pseudónimo de Gaspard-Félix Tournachon, periodista, ilustrador y caricaturista, pero sobre todo fotógrafo francés nacido el 6 de abril de 1820 y muerto el 21 de marzo de 1910.Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.
Lourdes Grobet. Tanto por su formación académica como por el sentido crítico de la época, los orígenes de la obra de Grobet están íntimamente relacionados con la pintura contemporánea. Fue alumna de los artistas Mathias Goeritz, Gilberto Aceves Navarro y Katy Horna, entre otros. "Los maestros que más influyeron en mi formación -dice- fueron Mathias, Gilberto y El Santo, el Enmascarado de Plata".A finales de los sesenta es ya amplio el descrédito del objeto artístico atrapado en el mercado, en las visiones individualistas y en la convencionalidad. Así lo vive Lourdes Grobet en el París del 68. Frente a tanta tradición momificada la crítica no se hace esperar: para ella la pintura era incapaz ante las exigencias comunicativas de la época. Esta ruptura la conduce a la fotografía como un medio más dinámico, con referencia a la vida colectiva y en el que observa no sólo un registro de las cosas sino una intervención en los hechos
-1815-1879
-Fotografías de ámbito religioso
-Técnica: pictorialismo.
-Comenzó a los 48 años.
-Principales obras: Kiss of piece, Idills of the King, Cupido descansando, Natividad, The Gardens daughter.
Andres Serrano (Nueva York, 15 de agosto de 1950) es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.
Moles Abraham (“kitsch”)
Teoría de la Información en la percepción estética. Considera Moles una estética exacta basada en los aspectos matemáticos de la teoría de la información y de la cibernética. Se entiende aquí que la concepción del mundo exterior depende del conocimiento de nuestros procesos perceptivos. Trabaja este autor en los mensajes visuales y auditivos. La información estética que estudia está sujeta al orden de la probabilidad de su codificación.
André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896 - París, 28 de septiembre de 1966), fue un escritor francés, conocido como el principal impulsor del movimiento surrealista.
De origen modesto, comenzó a estudiar medicina por presiones familiares. Movilizado en Nantes, durante la Primera Guerra Mundial, en 1916, conoció a Jacques Vaché, que ejerció sobre él una gran influencia, a pesar de haber escrito únicamente cartas de guerra. Entra en contacto con el mundo del arte a través del grupo dadaísta en 1916. Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo que influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos antirracionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.
Robert Capa (Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913 -Thai Binh Vietnam, 25 de mayo de 1954). Posiblemente, el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. Su verdadero nombre era Ernö o Ernest Andrei Friedmann.
Nadar, fue el pseudónimo de Gaspard-Félix Tournachon, periodista, ilustrador y caricaturista, pero sobre todo fotógrafo francés nacido el 6 de abril de 1820 y muerto el 21 de marzo de 1910.Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.
Lourdes Grobet. Tanto por su formación académica como por el sentido crítico de la época, los orígenes de la obra de Grobet están íntimamente relacionados con la pintura contemporánea. Fue alumna de los artistas Mathias Goeritz, Gilberto Aceves Navarro y Katy Horna, entre otros. "Los maestros que más influyeron en mi formación -dice- fueron Mathias, Gilberto y El Santo, el Enmascarado de Plata".A finales de los sesenta es ya amplio el descrédito del objeto artístico atrapado en el mercado, en las visiones individualistas y en la convencionalidad. Así lo vive Lourdes Grobet en el París del 68. Frente a tanta tradición momificada la crítica no se hace esperar: para ella la pintura era incapaz ante las exigencias comunicativas de la época. Esta ruptura la conduce a la fotografía como un medio más dinámico, con referencia a la vida colectiva y en el que observa no sólo un registro de las cosas sino una intervención en los hechos
Fotografía...5
Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.
Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.
Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.
En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.
Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.
Jean Eugène Auguste Atget - 12 febrero 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 agosto 1927, París
Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.
Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.
En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.
La Bibliothèque nationale de France (Paris) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.
Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.
Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.
En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.
Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.
Jean Eugène Auguste Atget - 12 febrero 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 agosto 1927, París
Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.
Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.
En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.
La Bibliothèque nationale de France (Paris) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.
Fotografía...4
Robert Mapplethorpe (Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989) fue un fotógrafo norteamericano, célebre por sus fotografías blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. La connotación erótica de alguno de sus trabajos generó más de una polémica durante su carrera.
Mapplethorpe trabajaba principalmente en el estudio, especialmente hacia el final de su carrera. Sus temas habituales incluían las flores, especialmente orquídeas y lirios de agua; retratos de celebridades, entre los cuales se cuentan el artista Andy Warhol, la cantante y actriz Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones y Patti Smith (un retrato de Patti Smith [5] de 1986 recuerda el autorretrato de Albrecht Dürer de 1500 [6] ); el homoerotismo y los actos de BDSM (bondage y sadomasoquismo), incluida la coprofagia), y desnudos de reminiscencias clásicas.
La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento. En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano.[7] [8] Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban "nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno". [9] Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la "Guerra Cultural Americana". La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de "obscenidad y pornografía infantil".
Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación. Esta crítica fue el tema de una obra del artista conceptual norteamericano Glenn Ligon, Notas al margen del Libro Negro (1991-1993). Ligon yuxtapone varias de la más icónicas imágenes de hombres afroamericanos de Mapplethorpe, extraídas de su Libro Negro, de 1988, con diversos textos críticos para complicar el transfondo racial de las imágenes.
Joan Fontcuberta (1955, Barcelona -) es un artista, docente, ensayista, crítico y promotor de arte especializado en fotografía, premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988, Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura en Francia en 1994 y Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura de España en 1998.
Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía en 1979 y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, comisarió la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945 exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el International Photography Center de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 mostrada en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arles. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura.
Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.
Entre 1985 y 2001, la obra de Fontcuberta fue expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Folkwang Museum de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokyo, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Musée de l'Elisée de Lausana, 1999, el MNAC-Museo Nacional de Arte de Catalunya de Barcelona, 1999, o la Redpath Museum de Montreal, 1999.
Su obra ha sido adquirida por colecciones públicas, especialmente de Estados Unidos, Alemania, Francia, España y Argentina como el Centre Georges Pompidou de París; el Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art de Nueva York; el Art Institute de Chicago; el Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo; el I.V.A.M. de Valencia y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.
Mapplethorpe trabajaba principalmente en el estudio, especialmente hacia el final de su carrera. Sus temas habituales incluían las flores, especialmente orquídeas y lirios de agua; retratos de celebridades, entre los cuales se cuentan el artista Andy Warhol, la cantante y actriz Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones y Patti Smith (un retrato de Patti Smith [5] de 1986 recuerda el autorretrato de Albrecht Dürer de 1500 [6] ); el homoerotismo y los actos de BDSM (bondage y sadomasoquismo), incluida la coprofagia), y desnudos de reminiscencias clásicas.
La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento. En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano.[7] [8] Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban "nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno". [9] Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la "Guerra Cultural Americana". La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de "obscenidad y pornografía infantil".
Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación. Esta crítica fue el tema de una obra del artista conceptual norteamericano Glenn Ligon, Notas al margen del Libro Negro (1991-1993). Ligon yuxtapone varias de la más icónicas imágenes de hombres afroamericanos de Mapplethorpe, extraídas de su Libro Negro, de 1988, con diversos textos críticos para complicar el transfondo racial de las imágenes.
Joan Fontcuberta (1955, Barcelona -) es un artista, docente, ensayista, crítico y promotor de arte especializado en fotografía, premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988, Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura en Francia en 1994 y Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura de España en 1998.
Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía en 1979 y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, comisarió la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945 exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el International Photography Center de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 mostrada en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arles. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura.
Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.
Entre 1985 y 2001, la obra de Fontcuberta fue expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Folkwang Museum de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokyo, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Musée de l'Elisée de Lausana, 1999, el MNAC-Museo Nacional de Arte de Catalunya de Barcelona, 1999, o la Redpath Museum de Montreal, 1999.
Su obra ha sido adquirida por colecciones públicas, especialmente de Estados Unidos, Alemania, Francia, España y Argentina como el Centre Georges Pompidou de París; el Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art de Nueva York; el Art Institute de Chicago; el Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo; el I.V.A.M. de Valencia y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.
Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Stalin.
Fotografía...3
Autores:
Joel Peter Witkin
Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.
Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.
Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.
Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.
David Nebreda
Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema.
Sus imágenes llegaron a las manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su galería de París, fue allí donde Léo Scheer descubrió su obra, impresionado por su fuerza decidió hacerse editor para poder divulgar su obra. Ha publicado ya dos libros de fotos. Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.
Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.
Paul Valery
Ambroise-Paul-Toussaint-Jules Valéry (30 de octubre de 1871 – 20 de julio de 1945) fue un escritor francés, principalmente poeta, pero también ensayista.
Tras realizar sus estudios secundarios en Montpellier, inició la carrera de derecho en 1889. En esa misma época publicó sus primeros versos, fuertemente influenciados por la estética simbolista dominante en la época. En 1894 se instaló en París, donde trabajó como redactor en el Ministerio de Guerra. Tras el fin de la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una suerte de “poeta oficial”, inmensamente celebrado y colmado de honores, al punto de ser aceptado en la Academia francesa en 1925. Tras la ocupación alemana se rehusó a colaborar, perdiendo su puesto de administrador del centro universitario de Niza. Su muerte, acontecida unas pocas semanas después del fin de la Segunda Guerra Mundial, fue celebrada con funerales nacionales y su cuerpo fue inhumado en Sète, en el cementerio marino que inspiró una de sus obras cumbres.
Su obra poética, fuertemente influenciada por Stéphane Mallarmé, es considerada una de las piedras angulares de la poesía pura, de fuerte contenido intelectual y esteticista. Según Valéry, «todo poema que no tenga la precisión de la prosa no vale nada».Entre sus poemas más importantes cabe destacar «La Joven Parca» (1917) y «Cementerio Marino» (1920).
Joel Peter Witkin
Joel-Peter Witkin (nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.
Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.
Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.
Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.
David Nebreda
Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema.
Sus imágenes llegaron a las manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su galería de París, fue allí donde Léo Scheer descubrió su obra, impresionado por su fuerza decidió hacerse editor para poder divulgar su obra. Ha publicado ya dos libros de fotos. Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.
Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.
Paul Valery
Ambroise-Paul-Toussaint-Jules Valéry (30 de octubre de 1871 – 20 de julio de 1945) fue un escritor francés, principalmente poeta, pero también ensayista.
Tras realizar sus estudios secundarios en Montpellier, inició la carrera de derecho en 1889. En esa misma época publicó sus primeros versos, fuertemente influenciados por la estética simbolista dominante en la época. En 1894 se instaló en París, donde trabajó como redactor en el Ministerio de Guerra. Tras el fin de la Primera Guerra Mundial, se convirtió en una suerte de “poeta oficial”, inmensamente celebrado y colmado de honores, al punto de ser aceptado en la Academia francesa en 1925. Tras la ocupación alemana se rehusó a colaborar, perdiendo su puesto de administrador del centro universitario de Niza. Su muerte, acontecida unas pocas semanas después del fin de la Segunda Guerra Mundial, fue celebrada con funerales nacionales y su cuerpo fue inhumado en Sète, en el cementerio marino que inspiró una de sus obras cumbres.
Su obra poética, fuertemente influenciada por Stéphane Mallarmé, es considerada una de las piedras angulares de la poesía pura, de fuerte contenido intelectual y esteticista. Según Valéry, «todo poema que no tenga la precisión de la prosa no vale nada».Entre sus poemas más importantes cabe destacar «La Joven Parca» (1917) y «Cementerio Marino» (1920).
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